Elisabetta: Buongiorno Sara, benvenuta in questo podcast! Ti chiederei innanzitutto di presentare te stessa e lo spettacolo che porterai in Fucina, giocando in casa.

Sara: Ciao! Sì oggi sono qui come autrice e regista di uno spettacolo che si intitola La verità non si uccide. Il titolo è tratto letteralmente da una frase che è stata pronunciata da una delle tre protagoniste di questo spettacolo che è Natalia Estemirova, una giornalista cecena, uccisa agli inizi di questo secolo.

E: Ti chiederei da dove arriva questo spettacolo, come hai iniziato a pensarlo e quali sono le vie che ha percorso per portarlo in scena quest’anno.

S: Allora lo spettacolo è nato per il format di Fucina che si chiama “teatro clandestino”. È un format divertente, in cui gli spettatori vanno a teatro alla cieca, cioè non conoscono prima della serata né il titolo dello spettacolo né il luogo in cui avverrà, e quindi abbiamo sempre scelto luoghi non teatrali.

In questo caso appunto la primissima edizione di questo lavoro era all’interno di una tipografia, ambientata negli anni del nazismo perché raccontava la storia di una tipografia clandestina, che stampava pamphlets, volantini contro il regime. E all’interno di questa cornice, si raccontavano le tre storie di questi giornalisti e attivisti, realmente vissuti, anzi recentissime vicino a noi, nei primi anni 2000.

E: E come mai hai scelto di raccontare proprio queste tre storie?

S: La cosa che hanno in comune questi tre personaggi, che vengono da luoghi della terra diversissimi e lontanissimi tra di loro, è che tutti e tre hanno nazionalità ibrida e quindi anche identità ibrida, e questo li ha portati ad avere, secondo me, una coscienza critica superiore. Ed è anche ovviamente quello che poi ha creato loro problemi, perché hanno cercato una strada verso la verità, liberi da ideologie e condizionamenti puramente nazionalistici.

Abbiamo Juliano Mer-Khamis che ha fondato il Freedom Theatre nel campo profughi di Jenin, che ha nazionalità araba-palestinese e israeliana, perché aveva padre e madre di queste due nazionalità, e lui rivendica um orgogliosamente questa doppia nazionalità, dice “sono un bastardo orgoglioso”.

Poi abbiamo Natalia Estemirova, che dice “nelle mie vene scorre sangue sia russo che ceceno” e lavora come giornalista durante le guerre cecene. Anzi nasce come insegnante, ma poi decide di di passare al giornalismo perché ne sente la fortissima necessità.

E infine abbiamo Zahra Kazemi-Ahmadabadi, detta “Ziba”, che ha cittadinanza iraniana e canadese, scappa dall’Iran durante la rivoluzione, ma torna, dopo aver acquisito anche la nazionalità canadese, sperando forse che questa nazionalità canadese la protegga -e però così non è- e quindi durante il suo lavoro di fotografa fuori dal carcere di Evin in un periodo di proteste studentesche, che ha fatto tantissimi morti, anche lei viene arrestata, torturata e uccisa.

L’altra cosa che hanno in comune queste tre persone è che di tutte e tre non è mai stato trovato il mandante dei loro dei loro assassinii.

E: Nello spettacolo a un certo punto viene fuori il tema della dissonanza cognitiva, che mi sembra anche una chiave molto interessante per leggere lo spettacolo.

S: Ovviamente noi leggiamo i fatti con il nostro filtro, la nostra mentalità di occidentali, e io non faccio eccezione, però cerco sempre nel momento in cui leggo è di approcciarmi alle fonti, ovviamente cercando più fonti possibili, ma anche cercando di non cadere nei tranelli della mente che cerca delle connessioni e tende a semplificare secondo uno schema che noi abbiamo già in mente.

La dissonanza cognitiva è un meccanismo appunto, come dice lo spettacolo in apertura, che suona un campanello d’allarme. Quando noi troviamo delle informazioni incongruenti tra di loro, tendiamo magari a escluderne una delle due, per restare nella nostra famosa bolla e quindi leggere solo notizie che confermino la teoria che già abbiamo in mente, il bias cognitivo che già abbiamo in mente. E in questo l’algoritmo non aiuta.

L’invito è quello a cercare di andare oltre, anche se non è semplice.

E: Un’altra chiave interessante emerge verso la fine dello spettacolo, quando Juliano Mer-Khamis mette in scena con i suoi ragazzi la Fattoria degli Animali.

S: Sì questa Fattoria degli Animali messa in scena da Juliano Mer-Khamis, è importantissima, sia nello spettacolo che nella storia personale di Juliano: potrebbe addirittura essere legata alla sua morte. Infatti è l’ultimo spettacolo che lui ha messo in scena ed è uno spettacolo in cui lui ha veramente osato perché, pur avendo dedicato tutta la sua vita a combattere l’occupazione tramite lo strumento della conoscenza, dell’insegnamento e dell’espressione artistica come mezzo per i ragazzi, per trovare una strada di libertà prima interiore e poi si spera anche nella loro realtà, in quello spettacolo in particolare lui è stato molto critico anche nei confronti delle fazioni più estremiste in seno al popolo palestinese.

Ovviamente, essendo la figura tra le tre che si occupa di teatro, Juliano è anche quello che sento più vicino e la Fattoria degli Animali di Orwell in realtà accompagna tutto lo spettacolo con questo ritornello che torna più volte del “tutti gli animali sono uguali, ma alcuni sono più uguali degli altri.” Un altro esempio di dissonanza cognitiva, giusto?

Link al video dello spettacolo Animal Farm del Freedom Theatre>>

E: Giusto, ed è anche un pretesto per alcuni dei momenti anche più divertenti dello spettacolo. Forse è importante sottolineare anche questo: sono tre storie ovviamente molto intense, non è sicuramente uno spettacolo leggero, di intrattenimento, però devo dire – e qua sono di parte ovviamente – che per me hai saputo comunque intrecciare queste tre storie in maniera molto sapiente anche con momenti più leggeri, più divertenti, più pop.

S: Sì, sicuramente questo era uno degli obiettivi dello spettacolo, di raccontare queste tre storie tragiche, con un filtro che ci aiuti anche a sopportarle perché veramente a volte entrare nel dolore può essere insopportabile.

E: Aiuta in questo senso anche la scelta di avere degli stacchi con musica dal vivo. E su questo volevo chiederti come nasce la selezione musicale che avete scelto di inserire in questo spettacolo: nasce post quando lo spettacolo era già fatto, o in qualche modo comunque è intervenuta nel momento di creazione e di ideazione del testo?

Alcune delle parole delle canzoni che si sentono e che vengono suonate durante lo spettacolo sono state importanti anche durante la fase di creazione. Un esempio è Baraye di Shervin Hajipour, che è diventata l’inno del movimento Donna Vita Libertà in Iran nel 2o23, ed è stata tradotta da Stefano Soardo che la suona in scena, ed è un inno che in realtà ha avuto una diffusione molto oltre i confini del proprio paese perché mette in parola tematiche universali.

Quindi le parole di Baraye sono una parte vera e propria del testo dello spettacolo e non sono le uniche, a un certo punto c’è anche un testo scritto da un ragazzino di Gaza, espatriato negli Stati Uniti, che ha prodotto delle canzoni rap sulla propria condizione. In particolare una di queste si chiama The Pen and the sword e, come Juliano parla dell’intifada culturale, anche lui usa la metafora della penna e della spada – che è una metafora che a me è molto cara e ho usato anche in altri lavori.

Link al video alla canzone The pen and the sword di MC Abdul>>

E: Concluderei diciamo ritornando qui in Fucina perché il tema della nostra stagione quest’anno, non so se lo sai, ma è Vedere è potere e direi che non c’è spettacolo che calzi più a pennello con questo tema.

S: Vedere è potere nasce come risposta al senso di impotenza, che quest’estate secondo me ha raggiunto il picco, l’abbiamo sentito tutti e lo sentiamo ancora adesso in realtà, nonostante magari nella stampa sia diminuita l’attenzione su alcuni scenari internazionali – forse anche proprio per alleviare questo senso di impotenza, per darci la percezione che qualcosa si sia risolto, anche se magari non si è risolto davvero-. La nostra idea, la nostra speranza, è che anche se noi abbiamo la percezione di non poter fare niente, in realtà già il solo informarci, ricercare, leggere, cercare di capire per quanto magari appunto attraverso i nostri bias, i nostri pregiudizi, però sia già un primo passo per provare a cambiare le cose, provare a cambiare la narrazione che viene fatta delle cose e poi dalla narrazione si può partire per ricostruire la realtà.

E: Ultimissima domanda provocatoria, perché uno dovrebbe alzarsi dal divano per venire a vedere questo spettacolo?

S: Perché ci sono tante tante informazioni, ci sono tre storie veramente recentissime, di quelle che quindi non fai in tempo a leggere sui libri, ma magari non hai fatto in tempo a vedere dal vivo e quindi a leggere sui giornali, però fanno veramente parte del nostro quotidiano, perché sono legate a tre scenari internazionali che sono ancora infiammati e ci aiutano a capire qualcosa anche del nostro oggi.

E poi sono tre figure che danno speranza.

> Qui alcune recensioni scritte dagli spettatori.

Le prossime repliche in programma dello spettacolo sono questo sabato 15/11 alle ore 21 in Fucina culturale Macchiavelli a Verona, e il 06/02 al Teatro Astra di San Giovanni Lupatoto, sempre in provincia di Verona. 

La verità non si uccide 2025

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Buongiorno a tutte e tutti. Quella che state per ascoltare è un’intervista a Giorgia Mazzucato che questo sabato 16 novembre 2024 porterà in scena lo spettacolo Tor Picarata nel nostro teatro Fucina Machiavelli di Verona.

Elisabetta: Ciao Giorgia, benvenuta, ti chiederei anzi di presentarti e di presentare un po’, lo spettacolo che porterai da noi in Fucina.

Giorgia: Come hai detto bene tu mi chiamo Giorgia. Il che in questo periodo non è un granché, per quanto mi riguarda, è problematico. Va bene è lei è è è nata prima lei. Tra l’altro siamo nate una un giorno prima o una il giorno dopo! E il mio profilo Facebook è @SonoGiorgia da tipo dieci anni, da prima del suo tormentone. Insomma, comunque io non faccio la leader di un partito di estrema destra, ma sono un’autrice, sono un’attrice teatrale, ma anche dintorni nell’ultimo periodo mi sto dedicando anche ad altro, compreso un podcast dove parlo molto spesso della mia omonima, che si chiama Conversazioni di coppia sul mondo.

Sarò a Verona sabato 16 per Tor Picarata, uno spettacolo che è difficile per me sintetizzare perché tocca tante cose cose, corde personali, sociali. Diciamo che parla di violenza di genere ed essendo un tema così enorme, così delicato, così purtroppo caldo, ho cercato di trovare un modo per parlarne, che non fosse il seminario in cui io dico perché questa non sia un’emergenza, ma la normalità e bisogna ripartire dalle fondamenta per cercare di fare qualcosa, ma cerco per la maggioranza del tempo dello spettacolo di usare un tono satirico, comico, ironico, senza sottovalutare la tematica.

Uso più voci, ci sono cinque personaggi diversi che parlano di questo tema secondo le sensibilità di questi personaggi, quindi anche sensibilità molto molto distanti dalla mia. Ci sono dei personaggi femminili dei personaggi maschili, tutti e tutte in un modo o nell’altro coinvolte in questa in questo abisso. Il tema della violenza non viene mai citato, però è quello che chiaramente scalda ogni parola dello spettacolo.

Questo spettacolo, come in realtà vari che stanno girando in questo periodo, sono tutti spettacoli che trattano temi molto impegnativi e insomma importanti sempre con un tono comunque non voglio dire leggero con il linguaggio della stand up comedy . E notiamo anche che il pubblico sta apprezzando molto questo questo genere.

Io credo che dipenda anche sempre dall’urgenza di chi scrive no, io ho scritto questo spettacolo per un’urgenza personale, cioè di voler urlare al mondo che esiste questo problema e che è bene che se ne parli se ne si ascolti in tutti i luoghi possibili, compreso il teatro che per quanto mi riguarda deve essere casa di questi temi. Ben venga il teatro di puro intrattenimento senza nessun tipo di secondo fine ma io non lo so fare e non lo voglio fare. A me piace un teatro in cui torni a casa che c’hai qualcosa attaccato al cervello. Poi sta a te decidere come, come agire. Il giorno dopo non ci pensi più o qualcosa si è mosso? Hai mosso un passo. Adesso muovi in maniera indipendente, il secondo il terzo.

Questi temi, questi ragionamenti, queste domande passano in tutti i miei spettacoli. Non è stata una cosa forzata, mi sono resa conto, mano a mano che quello che scrivevo seguiva sempre questo schema, questo stile. E mi sono resa conto che appunto voglio sempre parlare di temi, di una certa politica, politica in senso lato, non partitica chiaramente.

Mi piace parlarne, mi piace relazionarmi col pubblico sempre in questo modo, con i tre quarti dello spettacolo comici e un finale in cui le cose diventano un po’ più toste.

Questo perché, come insegnava anche Moliere, e in realtà questa cosa l’ho scoperta tramite da Dario Fo, che è stato un mio un mio maestro, Moliere diceva che, esiste la risata che permette al chiodo della ragione di inserirsi più facilmente nel cervello.

Quando tu ridi ti lasci andare anche proprio fisicamente, intendo. Apri la bocca, ti rilassi. La risata è un esorcizzazione della tensione. Le risate più grandi sono quelle dopo che arrivano dopo un momento molto teso. È così che si costruisce la comicità, no? Parti da una tensione e poi la fai culminare in una battuta, quindi quando il pubblico comincia a fidarsi di te, perché l’hai fatto ridere per dieci, quindici, venti, quaranta, cinquanta minuti, il chiodo della ragione entra più facilmente piuttosto che partire all’inizio con qualcosa di molto tosto. Poi sono gusti ma io ho trovato più o meno naturalmente questa modalità che mi piace molto.

Bellissimo. Proprio la risposta più bella che potevo ricevere. Perché la risposta che mi davo era qualcosa tipo eh la situazione del mondo sempre più tosta quindi abbiamo bisogno di ridere. Sì, ma non è non è solo quello. Cioè, è proprio vero che la comicità è un linguaggio, è un mezzo.

Si per me è proprio un mezzo. La risata fine a se stessa è meravigliosa. Ripeto, io non riesco a crearla, io costruisco gli spettacoli in modo da avere questo questa specie di trampolino. Andiamo tutte insieme da una parte  divertendoci e quando ci sentiamo sicure ci lasciamo andare. E affrontiamo di petto quello che è il macro tema dello spettacolo. In questo caso la violenza di genere., nell’altro spettacolo che sto portando in giro, Komorebi, è l’omolesbobitransfobia.

In entrambi ridiamo, ridiamo e poi ci guardiamo negli occhi.

Bellissima questa cosa che dici di appunto di utilizzare la satira, la risata per parlare di temi importanti. Ultimamente non lo stai facendo soltanto dal vivo a teatro, ma anche online con una serie di video che stanno riscuotendo un notevole successo, vero?

Sì, allora ero partita ancora anni fa con una serie che si chiama Fuorigioco in cui commentavo e parlavo del sessismo, della misoginia nel calcio femminile. Io ho giocato a calcio per dodici, tredici anni, quindi l’ho vissuta sulla mia pelle ed è anche il motivo per cui col senno di poi so di aver mollato. Avere 18 anni e andare a giocare, a sentire e sentire le quattro persone che ci sono nel pubblico continuare a chiamarti coscia bella dopo un po’ ti fa passare la voglia. Poi io giocavo in Serie A2, quindi non ero proprio una pippa al sugo, ma pagavo io per andare in trasferta, pagavamo 10€ atesta per il pullman, quattro allenamenti a settimana, partite in tutta Italia,  quindi anche a livello di tempo un impegno non da poco che non ti consente di avere avere un altro lavoro full time, ma non solo non guadagni ma paghi dieci euro a trasferta per avere questi commenti?

Però è una cosa che mi è rimasta assolutamente dentro, perché è stata la mia più grande passione. e quindi quando nel 2019 c’è stato anche il boom con i mondiali di calcio femminile ho visto questi commenti delle telecronache dei giornalisti di un certo tipo, che dicevano delle cose che veramente da medioevo. Quindi ho cominciato a fare questi video che hanno riscosso da una parte il successo e dall’altra ovviamente i commenti erano esattamente quelli che ci si poteva aspettare.

E lì devo dire lì è stata tosta per molti motivi, cioè aprire un social e leggerti insulti, minacce son cose che sai che esistono, però hanno comunque un peso. E poi in questi ultimi due anni ho visto anche la differenza nella serenità di certa gente di fare certi commenti, gente che adesso si sente molto più legittimata perché tanto sono gli stessi termini che poi senti in una conferenza stampa o eleggi da un tweet.

Almeno questo in teatro raramente succede, però magari guardando il lato positivo comunque ti consente di ricevere tanti feedback.

No, quello per fortuna sì, sennò non lo farei, diventerebbe solo masochismo. Guarda, devo dirti che io non ho scelto di diventare attivista. Non è una cosa che scegli, semplicemente a un certo punto dici ma a me questa roba qui non va bene. E Il mio lavoro è scrivere e portare in scena quello che scrivo. Quindi è stata una cosa assolutamente naturale. Non è che ho scelto un argomento a caso pescando da quello che è in trend.

La consapevolezza porta anche molto più dolore, essere consapevole dello stato della lotta fa male, fa molto male. Io con mia moglie adesso stiamo pensando di andarcene dall’Italia e non perché vogliamo, ma perché come facciamo? Cioè, sono cose concrete che fanno male. Io ho costruito qua il mio lavoro, lei pure ma non abbiamo scelta. Quindi sono proprio cose vissute nella carne mia e di tante altre persone.

Quindi da una parte la consapevolezza fa male e dall’altra mi ha avvicinato a una rete di persone che forse non avrei mai conosciuto. Tutto il mondo transfemminista che magari prima non avevo avuto il coraggio, le modalità, gli strumenti per entrarci mentre adesso credo di esserci abbastanza dentro, in una delle sue varie forme, chiaramente, e mi ha arricchito in maniera impressionante. Mi sento una persona sofferente, ma molto più grande, più ricca, più forte e quindi non credo che che cambierei questo con quello. Mi va bene stare dove sto con le ferite che ho, ma anche con gli strumenti in più che ho per combattere quello che mi sta intorno e per non solo combattere, ma per anche respirare. Sapere che nel momento in cui respiro c’è qualcun altro che sta facendo qualcosa per me e io posso fare qualcosa per quella persona quando quella persona è stanca non ce la fa più e vuole solo piangere e urlare.

Ho ricevuto dei feedback che ripagano qualsiasi cosa, persone mi hanno scritto dicendo che hanno poi fatto coming out con la famiglia, una persona mi ha scritto Grazie perché mi ha ricordato che non sono io quella sbagliata. Insomma, queste cose qui che per me valgono duemila commenti di odio.

Questo mi collega al tema della nostra stagione Tutto ciò che è prezioso e fragile nella quale abbiamo inserito anche questo spettacolo perché trovavamo un nesso.

Assolutamente. Tra l’altro è molto bella questo accostamento tra prezioso e fragile.  Ma in generale credo proprio che le fragilità sono preziose perché sono qualcosa di cui prendersi cura. Cura per me è un’altra parola fondamentale.

La fragilità, secondo me, può essere vicino al concetto di crisi. Crisi in senso etimologico, cioè l’idea di una nuova partenza da una rottura, mi vengono in mente le immagini dei vasi giapponesi che quando vengono rotti vengono ricomposti e le crepe vengono riempite con dell’oro.

Per me è quello il concetto di fragilità e di cura, cioè c’è quella fragilità non si può nascondere, o meglio con alcune persone puoi evitare di nasconderla. È importante trovare una comunità dove le tue fragilità sono trattate con cura e sono preziose, in modo che tante fragilità insieme possano costruire qualcosa di nuovo e di indistruttibile.

Bellissimo <3 Allora ultimissima domanda provocatoria. Purtroppo roviniamo questa bellissima poesia che abbiamo creato finora: ma perché uno di sabato sera, invece di andare al bar a bersi uno spritz, un americano dovrebbe venire a teatro? Domanda a trabocchetto perché comunque in Fucina abbiamo il bar, quindi

Ditemi che avete anche il Select, te lo chiedo perché sono vegana

Sì e anche i tramezzini vegani

Ti voglio bene. Okay, ho ancora più voglia di venire lì a fare spettacolo. Comunque rispondendo a alla tua domanda. Intanto nulla vieta che lo spritz te lo fai prima e te lo fai dopo. Io sono veneta, comunque quindi anche per me queste sono cose fondamentali. Ma nel mezzo. ci può essere una serata di serata di teatro perché chiaramente io sono di parte e non per il mio teatro, ma per il teatro in generale. Io credo potentemente nel nell’effetto rivoluzionario delle storie e le storie possono cambiare il mondo. Io di questo sono certa perché le storie possono cambiare le persone a me delle storie hanno cambiato completamente la vita.

E se tu cambi la vita di una persona, una persona, più una persona, più una persona, più una persona, tu stai cambiando il mondo. e non è per fare i discorso è così quindi il potere di raccontare delle storie storie che abbiano valore poi possono piacere o non piacere è un un rituale secondo me necessario.

Poi dici perché non me le guardo a casa su sulla t v anche quello va benissimo. La differenza secondo me, che ci può essere tra vedere una storia meravigliosa in t v al cinema ben venga e in teatro il teatro sennò non lo farei secondo me a quell’aspetto. appunto rituale magico in più, in cui ci sono delle persone che in presenza sconosciute si siedono in linea di massima spengono il cellulare e per un’ora un’ora e mezza cinquanta minuti che siano, fanno quest’atto assolutamente con in controtendenza rivoluzionario di essere staccati col resto del mondo e ascoltare una persona che ti racconta una storia secondo me è una cosa fuori di testa.

Cioè siamo nel duemila e ventiquattro e il teatro fa fa ancora fare questa roba qui. credo che sia l’unica, cosa che lo fa fare se non una visita medica a visita medica. Però magari non ti dura un’ora, tu spegni, sei nel buio e ascolti delle voci che ti raccontano una storia che ti portano in un immaginario.

Um secondo me cioè se ripeto, sono innamorata di questa cosa, sennò non la farei. Ma è anche è fantascientifico, è fantascientifico. Poi ben venga alla fine l’americano lo spritz, poi che sia. il tramezzino vegano. Ya Grazie. Grazie a te. Grazie a voi.

I biglietti per lo spettacolo di sabato sono acquistabili cliccando qui sotto:

Tor Picarata

Il progetto

Un’opportunità in più per i donatori : l’Art Bonus.

Il Ministero della Cultura ha creato uno strumento per incentivare i cittadini e le aziende che vogliono sostenere il patrimonio culturale italiano, facendone dei veri e propri Mecenati delle Arti. Si tratta dell’Art Bonus (qui la nostra pagina sul sito dedicato), uno strumento fiscale grazie al quale chi dona ad un progetto riconosciuto e accreditato presso il Ministero della Cultura, come Fucina Culturale Machiavelli, riceve il 65% di quanto donato in erogazione liberale come credito d’imposta nei successivi tre anni.

Abbiamo quindi creato un intervento dedicato a questo sulla nostra pagina nel portale Art Bonus, che si attiverà per donazioni superiori ai 100€. Se desideri accedere a questa opportunità scrivici a membership@fucinaculturalemachiavelli.com

E ora… rimbocchiamoci le maniche!

Elisabetta: Ciao Sofia, benvenuta. Innanzitutto, vorrei chiederti di presentarti e di raccontarci dello spettacolo che porterai sul nostro palco.

Sofija: Ciao, sono Sofija Zobina, e sono un’attrice. Mi sembra di star facendo un self-tape, che, per chi non lo sapesse, sono i video di prova che gli attori fanno.

Elisabetta: hehe quindi sei abituatissima a farlo

Sofija: Esattamente. Allora, ho fatto quell’accademia che fanno gli attori per ottenere un pezzo di carta, si chiama Paolo Grassi. No, scherzavo, scherzavo. È stata un’esperienza fantastica. Non lo rifarei, ma come nessuno rifarebbe la scuola. Voglio dire, perché sono tre anni in cui dai veramente tutto.

Da lì penso di aver imparato qualcosa sulla recitazione, dato che prima non sapevo assolutamente nulla. E poi ho capito che in realtà volevo scrivere. Mi piaceva molto scrivere, soprattutto per il teatro, così ho scritto un monologo. Ma ovviamente, non per caso, perché avevo una sorta di necessità perché sono nata in Lituania, ma da una famiglia russa. Famiglia, voglio dire, mia madre, perché mio padre se n’è andato quando ero piccola. Poi l’ho incontrato di nuovo più tardi, ma questa è un’altra storia.

Elisabetta: è un altro spettacolo

Sofija: esatto, insomma sono arrivata in Italia a tre anni perché mia madre, quando era piccola, ascoltava le canzoni di Toto Cutugno, Celentano e altri. Ricchi e Poveri, e quindi aveva quest’idea dell’Italia, di questo paese, dove tutto era possibile, una sorta di America, con più sole. In Unione Sovietica dove mia madre è nata, in inverno fa molto freddo, in estate fa caldo, e quindi il mood della gente è anche diverso e mia madre vedeva quest’Italia come un posto dove c’è Albano che canta e si parla sempre d’amore.. Invece, i nostri cantanti russi erano incazzati, erano politici. Chiaramente, anche in Italia c’erano cantanti politici, ma quella musica non ci arrivava. Ma Albano è fantastico, eh!

Elisabetta: Sì niente contro Albano. Allora, abbiamo detto che vieni dal teatro, dalla Paolo Grassi, ma questo spettacolo usi molto il linguaggio della una stand-up comedy, per raccontare una storia che alla fine è seria.

Sofija: Sì, perché odio le rotture di palle. Posso dire parolacce? Sì. Ok, io odio le cose tragiche raccontate in modo tragico. E soprattutto, odio andare a teatro per vedere cose riferite a sé che non mi interessano, che sono anche tristi. Così ho detto, questo spettacolo è autoriferito, alla gente potrebbe non interessare nulla, almeno facciamolo che fa ridere.

Elisabetta: Sì quando si dice uno spettacolo che fa ridere ma anche riflettere, questo è proprio il principe. C’è tutta la parte di stand-up, ma c’è anche un forte riferimento al presente. In questo titolo, Io amo Italia, sembra che ci sia già la risposta, sembra dica ai migranti che arrivano qui: ovviamente, tu ami l’Italia, hai il sogno di venire qui, di fare una vita qui, ma l’Italia non ti ama, non ti accoglie, anzi, ti deporta in Albania.

Quindi volevo sapere se, oltre alla tua necessità, all’urgenza autobiografica, c’era anche un’urgenza che sentivi dal punto di vista dell’attualità.

Sofija: Beh, sì spesso mi riferisco al fatto che io, comunque, sono un’immigrata che va bene. Sono un’immigrata bianca, bionda e con gli occhi azzurri. Ho fatto di teatro, vengo dall’Unione Europea, perché la Lituania ora è in Unione Europea, non lo era fino al 2004. Quindi ho avuto anch’io momenti difficili ma alla fine sono un’immigrata che sta bene. Sogno che un giorno Giorgia Meloni mi dia la cittadinanza onoraria perché ho fatto un film. Ma questo è un problema perché certo io non ho avuto una situazione così tragica come chi arriva su una barca, io ho potuto studiare. E quindi lo spettacolo parla un po’ di questo, di come sia difficile trovare risorse in sé stessi.

Elisabetta: E non tutti tutti possono farlo, ovviamente. Ecco mi sembra perfetto che abbiamo toccato questo tema perché ti abbiamo scelto come apertura della nostra decima stagione…

Sofija: Oh, che bello! Oh, che bello!

Elisabetta: Sì tanti auguri a noi! La nostra decima stagione ha come tema tutto ciò che è prezioso e fragile. Abbiamo scelto questo tema che era il titolo del Padiglione del Benin alla Biennale di Venezia, ci sembrava molto adatto, perché anche il mondo della cultura, le piccole imprese culturali, i teatri in Italia, secondo noi, sono proprio così: sono fragili e preziosi. E anche se siamo arrivati al decimo anno, siamo molto lontani dall’essere arrivati, quindi non volevamo una decima stagione che fosse pomposa, ma che invece raccontasse la realtà dei fatti e ciò che sentiamo, cioè abbiamo compiuto 10 anni, siamo ancora in piedi e vivi, ma siamo ancora fragili e sempre in dubbio se faremo una prossima stagione, e al contempo che secondo noi, il teatro è sempre una realtà preziosa. Quindi, questo titolo parla un po’ di noi e del mondo della cultura in Italia in generale, e abbiamo anche scelto alcuni spettacoli che raccontavano storie che in qualche modo avevano a che fare con questo tema.

Sofijia: beh, questa è la ragione per cui il teatro esiste. Oggi, il teatro non ha una funzione come quella di una volta, quando non potevi vedere altro, c’era solo il teatro, e uno andava a teatro per vedere qualsiasi cosa. Ora il teatro è una scelta, si sceglie di andare a teatro proprio per ascoltare storie che altrimenti non troverebbero spazio.

Elisabetta: Ultimissima domanda, perché le persone dovrebbero venire a vedere questo spettacolo?

Sofijia: Beh ma perchè non è uno spettacolo ma un karaoke! Si canta! È nazional popolare ragazzi, dovete venire. È qualcosa che ti fa sentire le tue radici italiane. O almeno quelle che io penso siano le tue radici.  Ci vediamo domani sera!

I biglietti per lo spettacolo di sabato sono acquistabili cliccando qui sotto:

Io amo Italia

Elisabetta: Ciao! Innanzitutto vi chiederei di presentare voi stesse e lo spettacolo che porterete da noi.

Giulia: Certo. Allora io sono Giulia Angeloni e sono la l’autrice del testo e sono in scena come attrice nello spettacolo insieme al musicista Simone Arborio.

Francesca: Io sono Francesca Sottana e sono la regista dello spettacolo.

Giulia: E lo spettacolo è Che si trovino male. Siamo a Roma, presumibilmente verso la fine degli anni ’60 e questa maestra di 24 anni, arriva a Roma dalla Sardegna e si ritrova ad insegnare in una scuola di periferia, a una classe semi deserta perché è la classe dove mandano tutti i casi disperati della scuola.

E si rende conto soprattutto che tutte le bambine della sua classe, che era una classe femminile, vengono da una zona di baracche che sta vicino alla scuola. Così lei, nonostante le venga sconsigliato, si avventura in questo luogo dove non va mai nessuno, neanche gli altri abitanti del quartiere.

E lì scopre un’umanità che non si aspettava. Entra in contatto con queste bambine e si mette in ascolto, fa un passo indietro e cerca di capire chi sono, qual è il loro vissuto.

Scopre che sono individui che hanno molto da dire, che hanno delle urgenze, delle istanze, dei pensieri. E quello che fa è aiutarle a trovare la propria voce, aiutarle a capire che quello che hanno da dire è degno e anche la loro condizione lo è.

Elisabetta: Facendo un passo indietro, volevo chiedervi da dove nasce questo lavoro, come siete arrivate a lavorare su questo tema.

Giulia: ho cominciato a lavorarci con l’idea di fare una ricerca sul mondo della scuola, a partire dalle storie di insegnanti che hanno cercato di fare una scuola differente, anche da quella che avevo vissuto io. Così ho fatto un paio d’anni di raccolta di interviste, nello specifico mi sono interessata molto dei movimenti che si occupavano di educazione attiva. Uno dei più importanti che ho seguito è stato il Movimento di Cooperazione Educativa e i doposcuola popolari a Roma di oggi, che quasi tutti hanno come ispirazione le scuole di borgata degli  anni 60 e 70.

In particolare è stata molto importante per la nostra storia la storia della scuola 725 di don Roberto Sardelli, che è stato un prete che in uno di questi grandi baraccamenti all’Acquedotto Felice, nella baracca numero 725, ha messo su un doposcuola popolare che coinvolgeva i ragazzi dal quando uscivano da scuola alla sera, ed è stata un’esperienza per questi bambini ragazzini di trasformazione proprio personale politica.

Leggevano Americani e vietcong, si interessavano alle lotte dei neri in America, un’esperienza di grande apertura. Io ho intervistato alcuni ex allievi che mi hanno raccontato le loro storie e hanno alimentato tanto la drammaturgia dello spettacolo. A quel punto ho coinvolto Francesca e le ho chiesto di collaborare a questo progetto.

Francesca: Sì, Giulia aveva già scritto un canovaccio che prendeva ispirazione da tutto questo mondo che aveva assorbito. E poi insieme abbiamo cercato di intrecciare due storie, perché nello spettacolo noi seguiamo il punto di vista sia di questa maestra ma anche di una delle bambine che frequentano questa scuola, così abbiamo due punti di vista differenti. Abbiamo provato a giocare con l’intreccio e vedere che effetto faceva questa questa alternanza di voci.

In più è stato molto bello anche avere nel processo creativo la presenza del musicista che vedrete in scena, perché comunque è proprio una presenza se vuoi una drammaturgia. Perché c’è questa bambina, che si chiama Esterina, che dice di avere un fratello musicista che però nessuno ha mai visto. Anche nello spettacolo c’è questa figura di questo musicista che è sempre un po’ all’oscuro e  la musica di per sé è una presenza che noi percepiamo ma non possiamo afferrare.

Quindi insomma è stata una creazione a tre, a cui poi si sono aggiunte le illustrazioni e la scenografia, ed è stato molto d’ispirazione avere questi punti di vista differenti, questa famiglia che si è sempre di più allargata.

Elisabetta: riparlando di preti illuminati, ovviamente il primo riferimento che ci è venuto in mente leggendo questo tema è don Milani. Quindi volevo capire se nella vostra nella ricerca e poi nella scrittura dello spettacolo questa figura c’è, c’entra e ancora rilevante…

Giulia: Beh, per me per me è tanto rilevante, secondo me è ancora veramente forte il messaggio di don Milani. Per me una spinta a fare questo lavoro è stata un po’ la mia esperienza scolastica, che è stata un’esperienza abbastanza normale, però non sono stata bene nei miei anni di scuola, mi portavo dietro una forte sofferenza rispetto a quegli anni lì.

E mi ricordo che all’ultimo anno di liceo la mamma di una mia compagna di classe mi diede un giorno di leggere Lettera a una professoressa. Per me è stata una lettura illuminante, mi ha proprio capovolto l’idea della scuola che avevo. La sofferenza che vivevo io in fin dei conti aveva la stessa matrice della rigidità della scuola che viene messa in discussione da don Milani.

Una scuola che non include veramente socialmente tutti e diventa un po’ quel paradosso che diceva lui, dell’ospedale che prende con sé i sani e respinge i malati. E Roberto Sardelli che ho citato prima decide di fondare questo doposcuola proprio perché era stato da don Milani ed era stato ispirato da quell’esperienza lì.

Oggi tante volte ho sentito dire quello che dice don Milani era giusto negli anni in cui lo scriveva però oggi è tutto molto diverso. Io non penso che sia molto diverso, credo che ci siano stati dei cambiamenti, però un po’ più sulla carta che nelle pratiche.

Poi c’è anche molto oggi il tema del merito, che è uno dei problemi con cui si trova a doversi scontrare la maestra del nostro spettacolo, con il preside che le dice continuamente che lì la legge uguale per tutti e non si fanno figli e figliastri. Però lei poi si rende conto che invece questa meritocrazia è un sistema truccato, perché va a premiare chi già parte avvantaggiato.

Francesca: Sì,  sono molto d’accordo. Non possiamo pensare che partiamo tutti dal punto dallo stesso e considerare una classe come una massa di studenti tutti uguali. Una cosa che mi emoziona ogni volta che vedo lo spettacolo è che questa maestra si relaziona con degli esseri umani. Non parte dal programma a cui gli allievi si devono adattare, ma è lei che si adatta a questi esseri umani perché quello che studiano deve servire a loro per crescere, per diventare persone.

Quindi questo spettacolo e quello che ci sta dietro è rilevante perché è universale e parla ancora moltissimo ai giorni nostri.

Elisabetta: chiuderei con una domanda un po’ provocatoria, perché in un bellissimo sabato di aprile come sarà questo, uno dovrebbe scegliere di venire a vedere questo spettacolo invece che andare a bersi uno spritz?

Francesca: ahahah bella domanda! Allora io ho sentito tanti pareri, secondo me la cosa bella di questo spettacolo è che a seconda della fase della vita in cui sei tocca delle cose diverse. Cioè se sei un ragazzo ti viene da dire che cosa voglio essere io per il mondo di domani, qual è il mio desiderio; se sei un adulto è anche cosa sto lasciando alla generazione che ci sarà, è uno scambio, un dialogo tra generazioni di cui in questo momento storico abbiamo bisogno.

Giulia: mi sembra molto bella questa cosa, non ho altro da aggiungere.

Francesca: vedremo se basterà a convincere al posto degli spritz.

Elisabetta: ah ma era una domanda trabocchetto, lo spritz si può bere anche nel bar del nostro teatro 😉

Francesca: e allora! cosa volete di più!

Elisabetta: esatto, ci vediamo sabato allora, grazie Giulia e grazie Francesca!

I biglietti per lo spettacolo di sabato sono acquistabili cliccando qui sotto:

Che si trovino male

Lo spettacolo attraversa tentativi grotteschi di scardinare il sistema, per uscire dal tunnel in cui viviamo. Si viaggia nel tempo e nello spazio alla ricerca della felicità, cercando di conciliare la voglia di affermazione e l’identità, la fragilità e la competizione, il senso della vita e il senso di colpa, le citazioni motivazionali di Walt Disney e Karl Marx.
Il finale è una visione del futuro che vorremmo, un inno di speranza onirico e allucinato che mescola lo stile della Beat Generation a Martin Luther King.

Che suono fa un numero dispari?

Pari e Dis*pari. Dis*pari come diversi, distanti, diseguali, eppure indivisibili, come un tre o un sette. Impari di opportunità, impari di voce. Ed è proprio a questi silenzi che cerca di dar voce il nostro spazio, un teatro, una sala da concerto, una casa per la cultura, per i piccoli, per i giovani, per i meno giovani che di questo luogo hanno ricordi vividi.

Disposti a perdere, per guadagnare qualcos’altro

Guardiamo vicino e guardiamo lontano, non ci sentiamo più di stare soli nella nostra piccola provincia, e la abitiamo con le voci d’oltreoceano, con musiche scritte a migliaia di chilometri da noi, e che pure ci risuonano dentro come se fossero sempre state qui, sussurrate al nostro orecchio come una ninna nanna. È la Misa Criolla con le sue sonorità gioiose e contrastanti sulla storia della Natività, è la Morte e la Fanciulla e il rock degli Iron Maiden, è la pizzica e il suo rito laico, sono musiche scritte oggi accanto a quelle scritte tre secoli fa.

Affermazione di non disparità

Pari fa ormai rima con opportunità. Significa non solo uguaglianza nei diritti, ma effettivo accesso ad essi. Eppure accade ancora che non sia così, accade ancora che, in fondo, chi fa arte debba provenire da un certo ambiente, e chi vi assiste ne abbia già le chiavi, preferibilmente dalla nascita, altrimenti quel mondo gli resterà precluso.

Esiste musica ‘alta’ e musica ‘bassa’? Sì forse quella dello yodel e quella delle cripte. L’esclusività (o esclusione) non ha a che fare con la ricerca della bellezza, ne ha solo con il suo appassimento. Per fortuna, non si può chiudere in bacheca qualcosa di vivo, vibrante, che guizza fuori, che scivola, che si confonde e che si mescola. Che si lascia possedere da chi se ne innamora perdutamente.

Soprattutto i piccoli, con il loro sguardo colmo di meraviglia.

Cosa colma le disparità? A nostro avviso, la cultura.

Per questo, forti del ruolo essenziale che può avere un teatro per una città, ci ribelliamo ai giochi di ruolo. Nel nostro piccolo, cerchiamo di scardinare le porte della bellezza, perché vi si possa insinuare chi fortemente lo vuole, e chi ancora non sa di volerlo. Diamo le chiavi, raccontiamo la musica, ci battiamo per biglietti accessibili, eroghiamo borse di studio, attiriamo persone che vogliono alzare la propria voce, raccontare storie, (ri)portare la cultura al centro. La musica è per tutti, anche per chi non ha mai messo piede in una sala da concerto. Il teatro è aperto, anche a chi non pensava fosse per lui, anche in luoghi e momenti strani (per esempio, di notte;).

Tocca a noi. E anche a voi.

Volete sostenere la stagione e anche essere certi di non perdervi le nostre date? Tornano le nostre Membership, dei carnet con cui sostenere il teatro e allo stesso tempo avere la possibilità di un piccolo sconto per partecipare agli eventi, da soli o in compagnia.

Grazie!

Direzione Artistica

Fucina Culturale Machiavelli